Stornoway – Fuel Up (en directo)
Esto hace que me impresionen aún más las iniciativas de las compañías de ópera que, en la avalancha general de mediocridad, apuestan por obras que le obligan a uno a hacer un esfuerzo intelectual más profundo, a ir más allá de su zona de confort, a reflexionar más perspicazmente sobre el fallido mecanismo de la herencia cultural. El mundo tuvo que enfrentarse a una crisis similar -en muchos aspectos- a principios del siglo XX, por ejemplo. La lenta agonía del pensamiento romántico y el doloroso nacimiento del modernismo produjeron algunas obras maestras que justo ahora, en un momento de crecientes conflictos, de atrofia de la ética, la fe y la esperanza, necesitamos no sólo sacar del olvido, sino someterlas al juicio contemporáneo, buscando su esencia y, al mismo tiempo, evitando la tentación de distorsionarla para nuestros propios fines.
No es casualidad que Die tote Stadt se compare a veces con Die Frau ohne Schatten. Sin embargo, estas comparaciones suelen ser injustas, ya que se refieren al supuesto carácter “imitativo” de la ópera del joven Korngold con respecto a la obra de Richard Strauss, más de treinta años mayor que él. Sin embargo, el hilo conductor más importante que comparten estas dos difíciles y durante años olvidadas obras es la esperanza: en el caso de Strauss por el luto de todos los niños no nacidos a causa de la guerra, en el caso de Korngold por el luto de todas las víctimas adultas innecesarias de la guerra. En ambos casos, esa esperanza se filtra a través del luto por un mundo perdido. Brujas, en Die tote Stadt, se convierte en un símbolo de Viena, degradada y privada de su antigua gloria. En 1915, cinco años antes del doble estreno de la ópera de Korngold -en Hamburgo y Colonia-, Brujas-la-Morte fue adaptada al cine por Yevgeni Bauer, que la trasladó a la realidad de un Moscú degradado y hambriento, afectado por una crisis de refugiados. La obra maestra de Rodenbach resonó en toda la Europa devastada por la guerra. Pero sólo en la obra de Korngold encontró una reinterpretación que dio al público alguna esperanza para el futuro.
Teatro arriaga viaje a ninguna parte en línea
La sección Zinemira incluirá más producciones vascas que nunca en la 64ª edición del Festival de San Sebastián. Diecisiete producciones compondrán el panorama del cine vasco, ocho de las cuales competirán por el Premio Irizar al Cine Vasco.
Sección dedicada al cine vasco organizada por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y la Filmoteca Vasca; con el patrocinio de Irizar y EITB; y la colaboración de EPE/AVE e IBAIA.
La idiosincrasia del País Vasco se fundamenta en el bosque y la madera. En este documental viajaremos desde la antigüedad hasta el futuro, mostrando la relación entre la persona y la madera. Para ello, tomaremos la experiencia vital de las personas elegidas y la opinión de reconocidos especialistas mundiales para mostrar, mediante una combinación polifacética de historia y relatos, las principales claves del bosque y la madera ayer, hoy y mañana.
¿Qué empuja a la gente a hacer lo que hace? ¿Por qué extraña razón algunas personas siguen decidiendo, en un mundo individualista como éste, dedicar parte o todo su tiempo a ayudar a los demás? A través de los diferentes testimonios de varias personas, conoceremos a una de estas raras aves. Una persona que dedicó parte de su vida a ayudar a los demás y que, sin saberlo, inició uno de los mayores cambios de nuestros días.
Teatro arriaga viaje a ninguna parte 2022
Vulk ez da (Vulk no es) es un espectáculo multidisciplinar que pretende desdibujar los límites entre la actuación en directo y el material audiovisual previamente grabado en un ejercicio de autodescubrimiento del grupo musical bilbaíno Vulk
Dos documentalistas vascos viajan por Bosnia en busca de profesores que puedan dar una alternativa al sistema educativo público que segrega habitualmente a los alumnos según su origen étnico.
La Sociedad 24/7 se ha consumado. Es una sociedad en la que la posibilidad de trabajar y consumir no tiene límites. Amenaza con robar el sueño de los seres humanos, y con él, su capacidad de imaginar una realidad diferente.
El conflicto que surge entre “lo que hay que hacer” y “lo que hay que hacer” traza una línea que separa la empatía de la indiferencia. En esta historia, la responsabilidad del trabajo asignado entra en conflicto con la responsabilidad que tenemos hacia las personas que sufren. La responsabilidad de ponernos en el lugar de los demás arriesgándonos a romper las reglas. Un simple “espacio” que los trabajadores dejan es, sin duda, un rayo de sol y de esperanza en la vida de otras personas.
Teatro arriaga viaje a ninguna parte 2021
La 67ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, celebrado en esta ciudad italiana, tuvo lugar del 1 al 11 de septiembre de 2010.[1] El director de cine y guionista estadounidense Quentin Tarantino fue el presidente del jurado.[2] La película inaugural del festival fue Cisne negro, de Darren Aronofsky,[3] y la de clausura, La tempestad, de Julie Taymor. John Woo recibió el León de Oro a la Trayectoria antes del comienzo del Festival[4].
Tras el Festival, el crítico de cine italiano Paolo Mereghetti criticó las decisiones del jurado a la hora de conceder los premios, y señaló a Tarantino, acusándolo de favoritismo. Él negó la acusación[8][9].
El León de Oro lo ganó Somewhere, dirigida por Sofia Coppola, una película basada en parte en la infancia de Coppola, hija del aclamado director estadounidense Francis Ford Coppola[16] Quentin Tarantino, presidente del jurado que concedió el premio, elogió la película diciendo que “crecía y crecía en nuestros corazones, en nuestras mentes, en nuestros afectos”[17] La decisión del jurado fue unánime. Al recibir el premio, Coppola reconoció a su padre por “enseñarme”[18] La película rusa Almas silenciosas y la chilena Post Mortem habían sido consideradas favoritas para el premio[19].